Les tenemos dos noticias. Una es que volveremos a postear más regularmente a partir del lunes. La otra es que, pese a todo, seguimos cumpliendo con nuestra lista semanal de nuevas canciones que les recomendamos escuchar. Lo único que no sabemos es cuál es la buena noticia y cuál la mala.
Esta fue la nueva música que escuchamos en la semana que termina. Porque lo menos interesante en el soundtrack de nuestras vidas, fueron nuestras vidas.
La elección de Machu Picchu como una de las siete maravillas modernas del mundo y el desolador terremoto de Pisco, las dos noticias más importantes relacionadas con el Perú este año, podrían llevar a pensar a los demás que somos un país en ruinas. No importa, ya estamos acostumbrados a que nos vean desde los extremos. Somos un país idílico o somos un país caótico. El Perú es una exageración.
Y qué mejor forma de medir la percepción que se tiene de nosotros que a través de la cultura pop. En un episodio de Seinfeld, Jerry se queja de haber pagado 300 dólares por una caja de habanos. Entusiasmado, Kramer toma la caja y entonces se da cuenta de que los cigarros no son cubanos, sino hechos en Perú. “¿Perú?”, se escandaliza Jerry, “¡Con 300 dólares me hubiera comprado una casa en Perú!”.
Por supuesto, Seinfeld no tiene idea de lo que habla. Después de todo, con 300 dólares uno sí se puede comprar una casa en Cuba, ¿no?
Pasa lo mismo en la música. Desde siempre, las furtivas alusiones a nuestro país en el cancionero pop y rock de habla inglesa siempre han oscilado entre la maravilla y la pesadilla, entre el esplendor incaico y el resplandor de la cocaína. Uno se pregunta si a la hora de componer una canción que mencione al Perú, los músicos gringos acaso no se harán la misma eterna pregunta que nos venimos haciendo los peruanos durante generaciones: ¿inca o coca?
Como dicen los desesperados por atención, no interesa si bien o mal, lo importante es que hablen de uno. Aunque sea de pasadita, nos han mencionado en sus canciones grupos y solistas como Justin Timberlake, Enya, Cher, Neil Young (quien nos incluye hasta en tres canciones), Robert Plant, Dream Theater, Indochine (supongo que luego de su apoteósica visita a nuestro país), Reverend Horton Heat, Clutch y Ghostface Killah, entre los más conocidos. No sé bien si eso es poco o es mucho, porque no me he puesto a comparar la incidencia peruana en el pop anglo con la de otros países (digamos, ¿Chile?). Pero es.
Y no es todo. He dejado lo mejor para el final. La siguiente lista recoge las que, a mi gusto, son las 10 mejores canciones que toman a nuestro país en cuenta, y que de alguna retorcidamente alienada manera, contribuyen a que tenga el orgullo de ser peruano, y hasta un poquito feliz.
1. The Beach Boys“Surfin’ Safari”
del álbum Surfin’ Safari (1962) “They’re anglin’ in Laguna in Cerro Azul
They’re kicking out in Dohini too
I tell you surfing’s mighty wild
It’s getting bigger every day
From Hawaii to the shores of Peru”
2. Frank Sinatra“Come Fly With Me”
del álbum Come Fly With Me (1958) “Come fly with me, let’s float down to Peru
In llama land, there’s a one man band
And he’ll toot his flute for you
Come fly with me, we’ll float down in the blue”
3. Brian Eno“Big Day”
del álbum Diamond Head de Phil Manzanera (1975) “Miles of golden beaches
Excellent wines and features
Mister, take a week off in gay Peru
Penitent monks to stare at
Colonial dons in old straw hats
Everyone’s there in old Peru”
4. Björk “I’ve Seen It All”
Del álbum Selmasongs (2000) “You haven’t seen elephants, kings or Peru!
I’m happy to say I had better to do
What about China? Have you seen the Great Wall?
All walls are great, if the roof doesn’t fall!”
5. Rah Rah “Cuba vs. Peru”
del EP Songs for Pasquala (2006) “And if there is one piece of advice that
I will always know to be true
If I was Cuba, you would be Peru
If I was Cuba, you would be Peru”
6. Immortal Technique“Peruvian Cocaine”
del álbum Revolutionary Vol. 2 (2003) “So enjoy the rush, live plush off Coke bread
Soon you’ll be in a cell with me, like Jenny Lopez
In school, I was a bully, now life is fully a joke
I keep a flow on a boat for Peruvian Coke
Players do favors for governers and tax makers
Fat Quakers smoke crack and sex acts with bad mayors”
7. The Divine Comedy“Postcard to Rosie”
del single “Generation Sex” (1998) “I promised her that no matter
Where I should go in the world,
I’d send a postcard to her…
I’ll send a postcard from Paris,
Paraguay, Prague and Peru”
8. Cuff the Duke“Belgium or Peru”
del álbum Cuff the Duke (2005) “So I guess it’s over now I’ll have to carry on somehow
But I’ll wait here for the day your love might come back my way
It had been a year since I had heard from you, you sent a card from Belgium or Peru
Said you were having fun and that boy just asked to marry you”
9. John Legend“Maxine”
del álbum Once Again (2006) “You should’ve seen the way she wore her dress
And her white stiletto shoes
You should’ve seen the way they looked on her
Just like the ones that I bought you
I searched for days on end to no avail
‘Til I found them in Peru
She must’ve been to Lima just as well
Because she had them too”
10. Jay-Z (feat. Notorious B.I.G.)“Brooklyn’s Finest”
del álbum Reasonable Doubt (1996) “Yeah, yeah, yeah, for nine six, the only MC with a flu
Yeah I rhyme sick, I be what your tryin to do
Made a fortune off Peru, extradite, china white hero(i)n
Nigga please, like short sleeves I bear arms
Stay out the way from hereon
(Clear) gone”
Es raro encontrar videos de grupos de rock bailando. Y es que no es lo que se espera de ellos. De ellos se espera drama, intensidad, adrenalina, arte, innovación, ironía. Pero, ¿pasos de baile? Para eso están los poperos. ¡Y vaya que éstos lo hacen bien! No por nada “Thriller”, considerado el mejor videoclip de baile (muchos afirman que el mejor videoclip y punto) de la historia, tuvo como protagonista al en ese entonces Rey del Pop. De hecho, si se hiciera una lista de los diez mejores videos de baile de todos los tiempos, es probable que la mitad de ellos estarían repartidos entre Michael Jackson y Madonna. Tal ha sido la influencia de ambos que hoy por hoy es casi imprescindible que un artista pop sepa bailar tanto como cantar. Pensándolo bien, lo de cantar quizás no sea tan imprescindible.
Quién sabe si en reacción a la identificación automática de pop con baile es que el rock fue marcando cada vez más su distancia con respecto a la idea de mover las caderas delante de una cámara (porque, hay que reconocerlo, de por sí es difícil hacerlo con una guitarra o una batería por delante). Pero está en la naturaleza del rock ser rebelde, incluso contra sus propios parámetros, así que de cuando en cuando han aparecido videos que han celebrado (más que ironizado sobre) el acto de bailar. A veces inspirados en los clásicos musicales de Hollywood y las coreografías a lo Busby Berkeley, a veces inspirados en la propia historia del pop y el rock, y otras veces simplemente inspirados, algunos de estos “comerciales de canciones” (como los llaman algunos cínicos), desde el “It’s Oh So Quiet” de Björk y el “Around the World” de Daft Punk hasta el “New Pollution” de Beck y el “Praise You” de Fatboy Slim, han pasado a formar parte de la cultura pop.
El caso más reciente de un afortunado maridaje de música y coreografía es el clip de “1 2 3 4”, de la cantante canadiense Leslie Feist. Espectacular e intimista a la vez, el video por fin reconcilia al indie con el pop, a lo alternativo con lo mainstream. Tan encandilados quedamos desde que lo vimos por primera vez que, de hecho, fue la razón que nos llevó a crear esta lista en primer lugar. Y el primer lugar se lo cedimos por supuesto a Feist, su canción, su coreografía y su intrigante final (¿están o no los bailarines detrás de ella?). El resto de posiciones quedó inevitablemente a merced del poderoso pop, con algún infiltrado reggaetonero metiéndose por los palos, palos que sin duda ya estamos viendo caer sobre nuestras cabezas.
En honor a nuestra consigna de privilegiar lo actual, la siguiente lista se limita a todo lo filmado en este siglo de ocho años (¿quién dijo siete?), lo que definitivamente no es poca cosa, considerando que nunca antes se habían hecho tantos clips musicales como en esta era del video digital, el celular con cámara y el YouTube. Nunca antes, además, había sido posible tanto feedback por parte de los hasta hace poco pasivos espectadores, sea a través de sus votos, de sus comentarios escritos (algunos de los cuales reproducimos junto con cada video) y, sobre todo, de sus propios homenajes, parodias, animaciones y demás versiones audiovisuales, recontra lo-fi pero en algunos casos tan entretenidas como los originales.
Y si piensas que bailar es de mariquitas, anda y díselo en su cara a esos presos filipinos.
El terreno de Feist es el de la sugerencia, el susurro, la libertad. “1 2 3 4” es un tema épico, coral pero plasmado en clave lo-fi. Su video trasmite la misma sensación: grabado en un solo plano secuencia y contando con la participación de un numeroso y colorido grupo de bailarines, la habitual cómplice de Broken Social Scene crea una atmósfera cálida, sencilla y juguetona (sin convertirse por ello en un ejercicio burlón), todo lo contrario a lo que suele transmitir las pirotécnicas coreografías estilo Broadway. Pero las apariencias engañan, y el final del clip es un buen ejemplo de ello. COCKER
Habla el pueblo:
“Si este video no te hace feliz, revisa tu pulso porque estás muerto.”
“Cursi y amateur. Peor que High School Musical. Saludos.”
“¡Es como un sueño húmedo en tecnicolor!”
“Me encanta cada vez más este video. Pero debo admitirlo, medio que estaba esperando que Björk se apareciera en cualquier momento vestida con su espantoso disfraz de cisne y se adueñara del video. (Oh, para mi alivio, eso nunca pasó!!!)”
“Yo era el de morado en el video. Sé que no debí pero le toqué una teta mientras la levantábamos sobre nuestros brazos. ¡Rico!”
2. Kylie Minogue «Can’t Get You Out of My Head» Año: 2001 Album:Fever Directora: Dawn Shadforth
Para que no digan después que bailar significa necesariamente tener que desplazarse cual 4×4 por toda la pista de baile. Quietecita en su metro cuadrado, al igual que los bailarines cabeza de balde que la acompañan, la chata power mueve masas en un video que la elevó a categoría de patrimonio sexual de la humanidad. Nunca una mujer lució tan deliciosa envuelta en una sábana. Puedo sacar esa canción de mi mente, pero no ese escote… Caleta
Habla el pueblo: “Es como una tesis de master en pop.”
“La canción está muy bien compuesta, pero dios mío, tiene unos dientes enormes! El closeup hace que parezcan los dientes de un alienígena del espacio exterior! Y sus ojos, mmm, parece que estaba drogada cuando lo grabó! Qué pasa con los ojos que le dan vueltas! Absolutamente gracioso!”
“La letra es muy inteligente…lalala.”
“Soy un obrero de construcción y ex infante de marina de 34 años y adoro este tipo de música. No puedo dejar que mis amigos vean mis CDs o creerán que soy una loca perdida. Sí, es una vida de callada desesperación.”
3. Madonna «Hung Up» Año: 2005 Album: Confessions on a Dance Floor Director: Johan Renck
¿Es sólo ella o en general los artistas pop envejecen muchísimo mejor que los músicos de rock? Tarea para la casa, pero con este video, Madonna demostró no sólo que seguía teniendo tanta relevancia como hace veinte años, sino incluso, madre mía, hasta un mejor cuerpo. Musical y visualmente un homenaje a la cultura disco, la historia que se cuenta en “Hung Up” resume además lo que acaso sea uno de los secretos del éxito de la tres décadas coronada Reina del Pop: beber y apropiarse de las diversas formas de mover el esqueleto en la calle y los clubs under, llámense breakdance, parkour o Dance Dance Revolution. ¡Larga vida al pillaje! Caleta
Habla el pueblo: “Buena canción pero realmente no me gusta verla enseñando la entrepierna así!”
“Su culo está todo caído.”
“Todavía admiro sus instintos. Nunca quise tirármela de todas maneras. Creo que tampoco ella lo quería.”
“Si googleas su cara en imágenes está toda llena de arrugas.”
4. Nouvelle Vague «Dance with Me» Año: 2006 Album: Bande à Part Director: Jean-Luc Godard
En ocasiones, los homenajes pecan de solemnidad. Este cover de The Lords of the New Church sirve de pretexto para celebrar a Godard. Nadie como el director francés para plasmar una escena de baile, en toda su sencilla y distendida naturalidad. Porque bailar debería ser siempre un juego, un ejercicio de de libertad, y todas las mujeres del mundo, si éste fuera perfecto, tendrían la gracia que muestra Anna Karina en esta adaptación de la clásica coreografía de Bande à Part. COCKER
Habla el pueblo: “Pretencioso, tonto y le quita toda la vida, belleza y originalidad a la escena original. Una monstruosidad.”
“Con todo respeto, suenas como un cinéfilo fundamentalista. Es una bonita apropiación de esa escena de la película. No sólo es un video musical sino que probablemente atraerá a la gente hacia la película original. Nada mal, ¿no?”
5. Calle 13 «¡Atrévete-te-te!» Año: 2005 Album:Calle 13 Director: Fish
A los científicos sociales les dejamos la tarea de verificar la validez artística del reggaeton. Lo que importa del combo de Residente es su habilidad innata para generar fiesta y pachanga, sin caer en los estereotipos del género en que se los enmarca. Este video no vende la latinidad que encapsula MTV en su programación: aquí no hay chulos ni carne rebalsando la pantalla, lo que nos ofrecen es el ritmo del suburbio boricua que legítimamente se apropia y reinterpreta la cultura popular gringa, y la hace menearse como las rubias bailarinas que protagonizan el clip. COCKER
Habla el pueblo: “Qué asco que dan estos videos y el reggaeton, hay que luchar contra el machismo, contra estas letras y que se deje ya de poner a la mujer como una putona fácil que va enseñando su raja o que sólo sabe contonearse. También hay que luchar contra el maltrato, no se dejen!! Agarren la sartén y a sartenazos para defenderse!!”
“Lo único positivo del reggaeton es que está ayudando a que las chicas se liberen un poco más y no sean tan prejuiciosas con tanta influencia de la religión de que el sexo es pecaminoso o malo. Ahí nomas sí apoyo a los reggaetoneros.”
6. Franz Ferdinand «The Dark of the Matinée» Año: 2004 Album:Franz Ferdinand Director: Chris Hopewell
¿Chicos adocenados por la instrucción escolar? Que mejor solución a la abulia del sistema educativo que el abandonarse en una pista de baile. A medio camino entre la parodia y el registro nostálgico de la fiesta adolescente, este single del primer disco de los escoceses cumplió con su principal objetivo: poner a la mayor cantidad de mujeres a bailar. Y este debería ser el dogma de fe de toda banda pop que se precie de serlo. COCKER
Habla el pueblo: «Oh dios mío, por qué Alex tiene que usar sus ojos de esa manera tan seductora. ¡Me está matando!»
7. Eric Prydz «Call On Me» Año: 2004 Director: Huse Monfaradi
Lo que “Hung Up” es para los setenta, “Call On Me” (curiosamente basada como la primera en el sample de un hit de la época que homenajea) lo es para los ochenta. No, no esos ochenta, oscurito desubicado, sino los del culto al cuerpo y la exaltación de la libido. Y es así como el video cumple, casi podríamos decir sublimente, una acariciada (ejem) fantasía masculina. Pregúntenle si no a los millones de mañosos (entre ellos Tony Blair) que en poco tiempo han (hemos) hecho de éste acaso el video musical más popular del tema menos conocido de la historia. Caleta
Habla el pueblo: “Excelente video, y eso viene de una mujer que está casada! lol. La calidad del video es sexy pero hermosa.”
“Honestamente pienso que es uno de los mejores videos de todos los tiempos.”
“¿Dónde me matriculo para esta clase?”
“Esta es la cosa más estúpida que haya visto. Pero amo a mi mamá y no quiero arriesgarme. Si no copias y pegas esto en 10 videos tu mamá morirá en 4 horas.”
8. Miranda «Don» Año: 2004 Album: Sin Restricciones Director: Joaquín Cambre
La propuesta refrescantemente dramática del grupo argentino de electro pop se agotó tempranamente y ahora son una caricatura de la glamorosa fotonovela de Es Mentira, su debut discográfico. El video de “Don” condensa todas las virtudes y defectos de los bonaerenses: el baile de las enfermeras expresa el desenfado, vitalidad y sensualidad de la banda, algo que lamentablemente dejaron de lado para ceder el protagonismo a los “carismáticos” disfuerzos de Alejandro Sergi y el inefable guitarrista Lolo Fuentes. COCKER
Habla el pueblo: “Fue al hospital a buscar al proctólogo para que le vuelva a coser el orto.”
“Este video lo pasaban tanto por Sony que termino gustándome, creo que le llaman lavado de cerebro…”
“Este tipo es una basura de gay, en cuanto a las canciones pues estan buenas… a pesar de que todos son unos bastardos gays.”
9. Pipettes «Your Kisses Are Wasted On Me» Album:We Are The Pipettes Año: 2006 Director: Ollie Jacob
Ni es un video particularmente ingenioso, ni contiene pasos de baile deslumbrantes, pero se ha ganado un lugar en nuestra lista (y, nos disculparán la cursilería, nuestros corazones) porque representa de manera entrañable el ambiente de frescura y diversión que ofrecen las presentaciones de las Pipettes. Quédense con sus Soda Stereo y sus Iron Maiden, nosotros morimos por verlas algún día en nuestra ciudad para que nos alegren la vida por una noche con sus deliciosas coreografías sincronizadas, sus contagiantes melodías de girl group y sus preciosas sonrisas británicas. Caleta
Habla el pueblo: “Cómo mola el temita y qué guapas son!!!!”
“Me encanta el pop. Me encantan los girl groups. Pero esta banda es una reverenda mierda. Si no fueran jóvenes y sexys, no serían nadie.”
“La nueva exportación británica son las erecciones, aparentemente.”
“Esto me hace vomitar y me da ganas de matar cosas, y de cortarme el pájaro.”
“Entonces córtate el pájaro. Nadie lo extrañará.”
10. OK Go «Here It Goes Again» Año: 2006 Album: Oh No Directores: Trish Sie, OK Go
Todo empezó en realidad con su graciosa coreografía para el video de “A Million Ways”, que los convirtió en una sensación en internet. Pero ese primer impacto mediático palidecería en comparación con el apropiadamente titulado “Here We Go Again”, que los mostraba, en una sola toma, ejecutando desopilantes maniobras, de una coordinación que casi lindaba con el virtuosismo, sobre máquinas trotadoras. El video se ha convertido en uno de los más celebrados y visitados en la historia de YouTube. ¿La canción? Bien, gracias. Caleta
Habla el pueblo: “¿Alguien sabe qué canción es la que está sonando de fondo?”
“Por el amor de dios, consíganse un trabajo!”
“Eso fue asombroso. Ahora mi vida está completa.”
“El mejor video de todos los tiempos. De todos los tiempos! De todos los tiempos!”
“Realmente me gusta esta banda, pero me preocupa que se vean obligados a ser “la banda de los videos locos” para siempre, y nadie vaya a apreciar la música (dios, qué hippie soy).”
“Genial, increíble. Wow! Fui y compré Oh No después de ver su primer video en YouTube. Me encanta!”
“Justo cuando uno pensaba que no podrían ser más sorprendentes. Absolutamente lo adoro. Creo que la gente va a tenerla difícil aprendiéndose esto.”
“Lamento decirlo pero eso fue bien gay!”
Mientras nos seguimos preguntando qué hacen dos viciosas bombillas de luz en la carátula del nuevo disco de Queens of the Stone Age, Era Vulgaris, nos hemos enterado que el foquito amarillo, llamado Bulby, es la nueva mascota de la banda y que es el protagonista de un singular concurso.
Se trata de copiar, imprimir y recortar la figura de Bulby, tomarle una foto, o tomarte una foto con él, en algún lugar de la ciudad donde vives y postearla en su grupo de Flickr. Las mejores imágenes, que serán escogidas por los propios QOTSA, harán acreedores a los fotógrafos ganadores a entradas gratuitas a cualquiera de las fechas del Duluth Tour que realizan actualmente los stoners por Estados Unidos. Sí, Perú no está en sus planes todavía, pero con un poco de ingenio, una visa vigente y los pasajes de avión, fácil que la haces.
Como todo foco stoner que se respete, Bulby es mañoso, y preferiría que lo fotografíes con tu enamorada, con tu ex o donde quiera que paren tus chicas. Lo que no quita que puedas tomarle una foto en un patrullero, en un ataúd o aspirando polvos de dudosa reputación (y si es con tu novia, mejor aún).
Recientemente se ha filtrado a internet una escena del esperado biopic de Todd Haynes sobre Bob Dylan, I’m Not There. Como ya deben saber, la película, cuya fecha de estreno es aún incierta, cuenta los aspectos más notables de la carrera del legendario músico, con diferentes actores y en diversos estilos narrativos y visuales, e incluso con un nombre distinto para el personaje de Dylan en cada una de esas etapas de su vida. Christian Bale, por ejemplo, interpreta a John/Jack, un ídolo del folk que se convierte en predicador, mientras que Richard Gere hace de Billy (the Kid), el famoso bandido que después de sobrevivir a un tiroteo (o un accidente de motocicleta) termina viviendo en un pueblito tranquilo. Pero quizás la actuación que más expectativas ha despertado ha sido la de Cate Blanchett, quien interpreta a Jude, la estrella de rock en pleno esplendor (Dylan en su época Don’t Look Back). De hecho, es una de las escenas de esta última la que se ha colado a YouTube.
En ella se aprecia a Dylan de viaje en auto con algunos amigos (alguien se ha aventurado a decir que uno de ellos es John Lennon) y encontrándose en el camino con Allen Ginsberg, con quien sostiene un breve diálogo (un periodista le había preguntado a Ginsberg si pensaba que Jude/Dylan se había vendido, a lo que aquel había contestado, “No sé, quizás se ha vendido a Dios”). Con esos enormes lentes oscuros y esa pelucaza revuelta es difícil no parecerse a Dylan, pero lo que delata a la Blanchett son sus labios carnosos y su tono de voz, que aunque grave, no reproduce la nasalidad del judío maravilloso. Más allá de eso, sin embargo, no hemos visto un Bob Dylan más cool o besable que éste.
Aún no se sabe con seguridad qué canciones interpretadas por el propio Dylan se incluirán en la película. Lo que sí está claro es que no serán muchas, y que la mayor parte del soundtrack estará conformado por versiones de sus temas a cargo de figuras de la escena indie como Sonic Youth, Yo La Tengo, Cat Power, Calexico y Stephen Malkmus, entre otros.
Para qué perder el tiempo en leer reseñas del nuevo disco de White Stripes, que tal vez no hagan más que confundirte, cuando con el siguiente cuestionario tú mismo puedes determinar cuánto te va a gustar:
1. El Rock and Roll _____
A. está muerto.
B. nunca morirá.
C. salvará tu alma mortal.
D. es la música del demonio.
E. vete a la mierda.
2. El sonido de los White Sripes se puede describir mejor como:
A. Reaccionario.
B. De revival.
C. Poco original.
D. Estimulante.
E. Rockea como la puta madre.
3. Mi disco favorito de los White Stripes (excepto Icky Thump) es:
A. The White Stripes
B. De Stijl
C. White Blood Cells
D. Elephant
E. Get Behind Me Satan
F. No tengo ningún disco de los White Stripes.
4. La continua adhesión de los White Stripes a la estructura de banda de guitarra (a veces piano) y batería es:
A. Parte de su atractivo
B. Algo que no da para más
C. Una declaración artística por sí sola
D. Una manifestación de puro Rock ‘N’ Roll
E. Innecesaria
5. La ejecución de la batería por parte de Meg me parece:
A. Espantosa.
B. Simple.
C. Un complemento perfecto para la guitarra lastimera de Jack White.
D. Primitiva.
E. Una distracción.
6. El mejor instrumento de Jack White es:
A. Guitarra eléctrica
B. Guitarra acústica
C. Piano
D. Marimba
E. Teclados
7. Mis canciones favoritas de los White Stripes siempre han sido:
A. Los arrasadores singles radiables como «Blue Orchid,» «Seven Nation Army», «The Hardest Button To Button» y «Fell In Love With A Girl.»
B. Los temas juguetones que se encuentran al final de sus discos como «Well It’s True That We Love One Another» en el Elephant y «Your Southern Can Is Mine» en De Stijl.
C. Los viejos monstruos blueseros como «Death Letter» and «Ball and Biscuit».
D. Las piezas de country y folk como «We’re Going To Be Friends» y «Hotel Yorba» del White Blood Cells.
E. La interesante elección de covers como «Jolene» de Dolly Parton y «I Just Don’t Know What To Do With Myself» de Burt Bacharach.
F. Las canciones del Get Behind Me Satan que menos sonaban a canciones de los White Stripes.
8. Estamos en el 2007, y ___________
A. no puedo creer que la gente siga tomando en serio a los White Stripes.
B. Jack White quizás sea la única estrella de rock de nuestra generación.
C. no hay nada nuevo que pueda decir una banda de rock tan abiertamente retro.
D. hay tantas bandas nuevas y emocionantes que los White Stripes son cada vez más irrelevantes.
E. siguen haciendo más con sus parámetros autoimpuestos que bandas con 3, 4, 10 o más integrantes.
9. Me parece que _______ es la herramienta más útil para determinar qué discos merecen mi bien ganado dinero.
A. las opiniones de The Village Voice
B. Pitchfork
C. Rolling Stone
D. los blogs de mp3
E. mis propias opiniones
10. El mejor disco editado hasta ahora en el 2007 es:
A. Person Pitch de Panda Bear.
B. Neon Bible de Arcade Fire.
C. Sound of Silver de LCD Soundsystem.
D. Hissing Fauna, Are You The Destroyer? de Of Montreal.
E. No jodas. ¿Esas son mis opciones?
Respuestas:
1. A = 0; B, C, E = 1; D = 0.5
2. A, C = 0; B = 0.5; D, E = 1
3. A, D = 0.5; B, C = 1; E, F = 0
4. A = 0.5; B, E = 0; C, D = 1
5. A, E = 0; B, D = 0.5; C = 1
6. A =1; B, C, E = 0.5; D = 0
7. A, B, E =1; C, D = 0.5; E = 0
8. A, C, D = 0; B = 1; E = 0.5
9. A = 0; B, C, D = 0.5; E = 1
10. A, B, C, D = 0; E = 1
Suma tus resultados, y mientras más alto sea el puntaje, con más seguridad sabrás si comprar el Icky Thump. O, tal como hizo el ingenioso blogger que concibió este test (a quien le salió 9 de 10), puedes incluso escribir tu propia crítica del disco. De allí, quién sabe, podrías hasta convertirte en colaborador de 69!
En una carta abierta publicada hace unos días, Billy Corgan se proclama como el mesías del rock alternativo, y declara el nuevo disco de los Smashing Pumpkins, Zeitgeist (“espíritu de la época” en alemán: yo también leo a Google), como el non plus ultra (“ya no ya” en latín) de la música contemporánea. Tan ensimismado está en su propia grandeza el pelado, que escribe mal el nombre de su baterista y veintiúnico sobreviviente de la agrupación original (es Chamberlin, oe), y ni siquiera se acuerda, o no quiere acordarse, de cómo se llaman los nuevos miembros de su banda. A continuación les ofrecemos la traducción de tan memorable asesinato a la modestia:
10 de julio de 2007
Queridos Amigos,
Hoy es el día más grande que hayan conocido.
Hace siete años, siete meses y diez días, el reloj marcó la medianoche del 2000, y el mundo empezó a girar más rápido. En ese entonces, desbandé a los Smashing Pumpkins porque el nuevo milenio lo demandaba. Una nueva era necesitaba un nuevo comienzo –limpieza y unidad, no el desastre confundido y confuso en que había dejado que la banda se convirtiera.
Alguna vez fuimos la banda más importante del mundo, y todos –yo, tú, Courtney Love– lo sabíamos. Los Smashing Pumpkins trazaron la línea que unió los puntos entre Black Sabbath, los Bee Gees y The Cure, y esa línea capturó a una generación como una correa alrededor del cuello de un cachorrito indomable. Nosotros fundamos la Nación Alternativa, y los chicos y los anunciadores se agolparon en derredor. Pero como la banda se había hinchado y se había vuelto arrogante y testaruda, y porque creció fuera de mi control, tenía que morir. La maté antes de que me matara.
Y ahora, después de todos esos años de oscuridad autoimpuesta, de proyectos paralelos plagados de mediocridad y demasiados guitarristas, yo nos reuno, aquí, en la esquina de Avenida Futuro con Calle Ahora. ¡Este es nuestro momento! ¡Este es nuestro día! ¡Este es Zeitgeist! (Eso es “Espíritu de la Época” en alemán. Créanme: he leído a Hegel.)
Esta banda siempre ha sido el faro conductor de la vertiginosa locomotora de la juventud moderna; con un título como Zeitgeist, nadie puede discutir. Yo traje de vuelta al baterista original de los Pumpkins Jimmy Chamberlain –recuperado y adorador de su seguro servidor, él es el epítome de lo que significa dar vuelta a una página– además de otra chica bajista y otro tipo en la guitarra. Zeitgeist (¡Díganlo! ¡Se siente bien!) llega esta semana, en cuatro formas diferentes: la versión de Best Buy es diferente de la versión Target es diferente de la versión iTunes, que es diferente de la versión de todos los demás. La mayoría de zeits se hubieran conformado con un solo geist, pero el nuestro exige más estrategias de marketing, así que yo ofrezco cuatro.
En cuanto a la música, los críticos no la entienden. Nunca la han entendido. Mis antiguos fans –aquellos cuyas vidas cambiaron gracias a Gish y Siamese Dream– no la entienden. Se quejan de que el sonido es demasiado denso, demasiado severo, demasiado, sí, arrogante. Pero yo le estoy hablando a la Nueva Generación, la que necesita saber que My Chemical Romance y Panic! At the Disco no pudieron haber existido sin mí. Si desean o no saberlo, no importa. Este Zeitgeist no es consensual –está aquí, lo entiendas o no.
Hace varias semanas, lancé “Tarantula” para preparar al público para la avalancha que se venía. La canción es el sonido de un ego que explota (el mío), el sonido de todo un álbum en una sola canción. Les gustará porque tiene el mismo riff de guitarra supersónico que “Cherub Rock”, y a ustedes les gustó “Cherub Rock” allá por 1993. Todavía les gusta, porque es una de las mejores canciones que se hayan grabado jamás. Pero ahora, en vez de una sola guitarra tocando un riff, hay más –muchas más– guitarras. Y más riffs. Es fabuloso, en el sentido original de la palabra. Podría asustarlos.
El temor es el efecto que busco. Temor y agotamiento. Pero “Tarantula” no es la canción más temible o agotadora del álbum. Ese honor va para “United States” –un triunfante himno adolescente que suena como el solo final de “War Pigs”, refractado y estirado a nueve minutos. Recuerden, alguna vez fui sutil: “Drown”, del soundtrack de Singles, era inquietante en su belleza minimal y disonante. Pero el Zeitgeist no tiene tiempo para sutilezas, mis amigos, y tampoco la tienen ustedes. De allí títulos de canciones como “United States” y “For God and Country” y “Pomp and Circumstance”. Si ustedes necesitan más guitarras, necesitan todavía más significado. Y yo se los traigo:
Dulces tonos murmuran veloces
Rehusen a sus anhelos, renuncien al pasado
Despiértenme pronto, el fin se acerca
De qué lado están
Su propia sangre no pueden comprar.
¡Revolución!
¡Revolución!
¡Revolución!
¡Sí! ¡Zeitgeistico!
Toda revolución necesita un contrapunto, y ese sería “Bring the Light”, la única canción con una melodía discernible y tararareable, la única canción que es remotamente accesible. Tiene una melodía que arde con el mismo conflicto adolescente que el de aquellos días del Siamese Dream. Naturalmente, sobresale: La melodía y la tararaeabilidad no son realmente el zeitgeist. Por lo menos no este Zeitgeist.
Esto es lo que deben entender: Nada ha cambiado desde 1999, excepto mi presupuesto. Y Pro Tools. Yo sigo siendo el mismo mesías del rock alternativo que alguna vez fui. Ustedes siguen siendo mi rebaño adolescente.
Confíen en mí.
Su cero,
Billy Corgan
Si después de leerla les ha quedado, como nos quedó a nosotros, la sensación de que tanta pomposa idiotez sabe a prank, a perversa broma perpetrada por alguien que no quiere mucho a Corgan, pues su sospecha es correcta: es una parodia. Genial.
